Флэшмоб от художников и для художников "как это сделано" или "как я сделяль арт"

Обещанный пост! На примере своих проб и получения новых знаний расскажу, с чем сталкивается автор артов. Все делают по-разному, и подглядеть всегда интересно. Плюс - это ещё и акция в защиту художников. Здесь я перечислю вещи, которые важны для рисования. В том числе и за тем, чтобы оценщики артов понимали: трындеть - не мешки ворочать.

Примером будет конкурсная иллюстрация, т.к. это единственный вариант, где я применила множество лайфхаков, которые раньше не знала или игнорировала. Работа выполнена в приложении Ibis Paint X, в котором я ещё много чего не знаю. Плюс - это ещё и экран телефона, покрытый желтоватой бронёй. Поэтому мой недобор цвета в тенях чудесно с этим сочетается.

1. Основа. Правило третей.

Перед наброском, который пошёл в дело, я долго думала, как скомпоновать трёх разноразмерных персонажей в листе. Для поиска оптимального варианта я сделала около 60 маленьких эскизов. В итоге мне было выгодно сделать зрительным центром и первым планом те вещи, в рисовании которых у меня больше практики. Чтобы такой проблемы не было, советуют рисовать АБСОЛЮТНО ВСЁ, ЧТО ПОДВЕРНЁТСЯ ПОД РУКУ. Причём особо не заморачиваясь - поставили таймер и схватываете общее направление, ракурс, отношения света и тени. Рука после этого помнит, и лайн, который вы сначала смогли сделать за 20 минут станет пятиминутным. Набросок же для серьёзной работы можно проработать хорошо, а можно  и чисто схематично. Кому как удобнее.

Правило третей - очень простой и эффективный метод построения композиции. Он даёт больше гарантий, чем, например, золотое сечение, что кадр получится гармоничным и будет восприниматься, как продуманная композиция. Принцип такой: важное для картины помещаем поблизости четырёх узловых точек. Или же двух, как в кадре кино.

Восприятие зрителя -- это то, чем автор картинки может и должен манипулировать. Это касается и ритма линий, зачастую тех, которые можно провести в воображении... 

Это и грамотная постановка визуального центра (он должен быть немного завышен, о чём я узнала только на АТ). Есть куча отличных приёмов, призванных помочь глазу смотреть туда, где у нас на холсте расположено самое важное. 

В композиц. центре у нас находятся предметы, которые в будущем мы должны проработать наболее тщательно. Это в художках учат -- 1 план, 2, ... У профи-диджитал-авторов другие приёмы, более кинематографичные. Они сглаживают детализацию к краям холста и уделяют большее внимание, допустим, лицу персонажа и ключевым элементам его одежды и/или сюжета картины. Способ, отличающийся от более академичного, и очень крутой.

Силуэты персов должны быть простыми и понятными. Хорошо читаемыми, как логотип Слизерина и наиболее удачные фэн-арты на него.

Роль ракурсов лиц и мордочек - разнообразие, некий символизм. Если мы делаем так, что зритель смотрит снизу вверх на персонажей, это означает, что мы делаем эпическое полотно с изображением чего-то великого. Если мы делаем вид сверху - это сигнализирует о незначительности персонажа на картинке.

Также очень нежелательно делать конфликтующие элементы на стыке. Если бы глаз девочки шёл бы в стык с краем лица, это бы испортило восприятие. И если бы макушка врезалась бы в линию соприкосновения со змеем - тоже.

2. Покрас: от общего к частному 

Глаз зрителя двигается по принципу индукции, а у художника велик соблазн перейти сразу от первой стадии проработки на третью. Где 1ая стадия - силуэт, 2ая - работа над первичными деталями и 3я - переход к более мелким предметам. Эта проблема решается техникой "от пятна" и/или же просмотром мастер-классов об этапах рисования концепт-арта персонажа.

Закрашиваем всё тело героя в один цвет. Потом  сверяемся с заранее составленным планом: где мы хотели показать тень, где свет. Где свет падает на героя, а где он падает на пол и оттуда отражается снова на героя -- в местах, где падающий свет не попадает. Также в плане у нас должно быть представление, что все персонажи разного тона по отношению друг к другу. После этого у нас идёт скульптурирование формы.

Покрас в ч\б очень поможет правильно обозначить тень, свет и грамотные переходы. Также, если вы будете превращать его в цветной, нужно обладать офигевшим мастерством, чтобы тени не получились "грязные". Если вы  рисуете мультяшную стилизацию, то там серые тени и вовсе категорически не приветствуются -- при условии цветного изображения.

Покрас в цвете. Т.к. лайн может теряться при этом, очень полезно снова накладывать его, тем самым не отходя от первичной идеи. Либо слоем "чисто для себя" (как в дидже), либо снова его повторяя (как в традишке). При этом линия не должна быть "волосатой", а чёткой, не прерывающейся (в основном, это касается стилизации). Важные моменты выделяются утолщением линии.

Также очень полезно постоянно зеркалить изображение и переводить из цвета в ч\б. Зеркальное отражение поможет не накосячить с равновесием композиции, чертами лица и т.д. Ч\б поможет абстрагироваться от цвета, который мешает верно оценить тона разных предметов. 

Для прикола можно обратить общие цвета предметов на рисунке, чтобы убедиться, что они разные. На более поздних этапах работы мы показываем равновесие "ответами" цветов. Если у нас фиолетовый предмет стоит рядом с оранжевым, то как раз эти рефлексы будут взаимодействовать между собой. Помимо собственного цвета, персонаж идёт в связке с остальными героями и с фоном арта.

Оптимальным решением будет взять для работы несколько кистей, и не слишком много.

Чуть-чуть процессок (шок-контент)

Иллюстрируем сказанное

Много буков, поэтому 

Следующий пост - подробнее о цвете: сдержанные тона, образующие в своём сочетании ниярчайшие полотна, цветовая триада для новичков и всё такое прочее. 

У нас всё получится! 

Ещё раз сюда продублирую плэйлист видосов с разных каналов-обучалок рисованию: https://www.youtube.com/watch?v=c8bcEK8Bhnk&list=PLRM05EV9deA0gKrBz2cDfkMnYiFDG2EBI&index=196