Музыка барокко. Ранний и средний период.

Музыка барокко  –это стиль в западноевропейской музыке, охватывающий эпоху примерно с самого конца XVI века по середину XVIII. Она последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, наступила классическая эпоха. Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний.  Их условно датируют отрезками с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1750 год. Условно – потому  что ведь невозможно сказать: сегодня закончился ранний период и начался средний. Кроме того, творчество некоторых значительных композиторов находится на стыке данных периодов.

Само слово «барокко», как предполагают, происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина неправильной формы. И с итальянского языка (а искусство музыкального барокко зародилось  прежде всего в Италии) это слово переводится как «странный, причудливый».

С чем же связано такое название? В первую очередь с тем, что в сравнении с эпохой Возрождения, профессиональная музыка эпохи барокко стремилась к большей изощренности композиторского творчества, большему разнообразию и новизне композиционных приемов и техник. Вспомним, что и архитектура – наиболее близкое к музыке искусство – в тот период также характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Недаром уже в 1746 году Ноэль Антуан Плюш, который в одном из томов своего многотомного фундаментального трактата «Природный спектакль» первым предлагает понимать барочную музыку в качестве термина, определяет ее как такую, которая «желает удивить дерзостью звуков» и противопоставляет музыке предыдущей эпохи – «музыке поющей». И действительно, в отличие от эпохи Ренессанса, музыка барокко отвергала необработанность музыкального материала, считая это невежеством. Что можно отдаленно сравнить с противопоставлением необработанного народного пения облагороженному оперному вокалу. Отсюда, отчасти, и присущая барокко пышность форм и обилие мелодических украшений, так называемых мелизмов. 

 Одним из показателей стиля барокко был поиск новых стилей и технологий в музыке. Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в этой эпохе – кантата, оратория, концерт, соната, опера. Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии. Например, опера. Инициатором создания стали музыканты, входившие в кружок деятелей искусства, известный как Флорентийская камерата. Одним из самых видных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший в 1600 году первую дошедшую до нас оперу «Эвридика». Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии. Опера планировалась изначально как возрождение античной трагедии. 

В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская. Именно тогда в Неаполе родилось искусство «прекрасного пения» - «bel canto», которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке. В 1607 году в Италии Клаудио Монтеверди была написана опера на тот же вечный сюжет об Орфее, сразу получившая признание и вошедшая в моду. Оперы Клаудио Монтеверди, из которых лучшая, «Коронация Поппеи», была создана значительно позднее, в 1647 году, сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ. Композитор внес в оперу реализм, опередив свое время.Опера распространилась во Франции благодаря великим работам Жана Батиста Люлли, позднее в Англии – благодаря Генри Перселлу. В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали в это время писать музыку для церкви. Наиболее яркий представитель раннего барокко в Германии – Генрих Шютц.

Но и в Италии не только церковные, но и светские инструментальные и вокальные жанры получили в это время выдающееся развитие в творчестве Джироламо Фрескобальди.

Впоследствии в Германии и Англии развилась оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия. Оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. Одним из часто встречающихся частных случаев оратории явился жанр Страстей (Пассионов), рисующих сцены распятия и воскресения Христа.  
Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с эпохой Возрождения. Появились виртуозные певцы, желавшие продемонстрировать перед публикой свое умение. Это в первую очередь проявилось в появлении и развития жанра кантаты, как светской, так и духовной, где хоровое исполнение сочетается с развитыми сольными формами. Напротив, интерес к наиболее распространенным ренессанссным формам вокальной музыки – мотету и мадригалу -  снизился

Очень важным в уже в эпоху раннего барокко стало значительное усложнение и внесение разнообразия форм и жанров в церковную музыку. У католической церкви появился опасный конкурент в лице протестантизма. Католичество искало возможности распространения веры с помощью расширения культурного влияния. Пышностью, величием и сложностью архитектуры, изобразительных искусств и музыки католицизм как бы спорил с протестантизмом -  с его однообразной, аскетичной музыкой, представленной в основном одноголосным хоралом. Правда, в позднюю барочною эпоху протестантская духовная музыка уже не отставала в  отношении пышности и сложности от католической.

Ещё одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной. Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии, на деле чаще не пелись, а исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства современников, а также количество рукописей инструментальных пьес, число которых превосходило число произведений, представляющих светскую вокальную музыку. Постепенное появление чистого инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века, было одной из важнейших ступеней в переходе от Ренессанса к барокко. До конца XVI века инструментальная музыка была едва отличима от вокальной и состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных инструментов и лютни) а также полифонических пьес, которые могли бы быть охарактеризованы как мотеты, канцоны, мадригалы без поэтического текста.

С этим обстоятельством связан подлинный расцвет инструментальных жанров, наступивший уже в средний период барокко. В творчестве Дитриха Букстехуде и Йоханнеса Пахельбеля развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги. Инструментальные сонаты и сюиты  писались как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Здесь в первую очередь следует отметить творчество Джузеппе Тартини и Доменико Скарлатти.

Появился, прежде всего у Арканджело Корелли, жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром, и в форме «кончерто гроссо», где небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями – они стали прообразами симфонии. Произведения для клавесина довольно часто писались композиторами для собственного развлечения, для домашнего музицирования или в качестве обучающего материала. Но у таких французских композиторов, как Жан Филипп Рамо и Франсуа Куперен, программная миниатюра достигла высокого, истинно концертного, совершенства. Одним из виднейших представителей среднего периода эпохи барокко является английский композитор Генри Пёрселл. Несмотря на то, что он прожил короткую, всего лишь 36-летнюю жизнь, Перселл оставил большое и ценное наследие практически во всех жанрах и формах современной ему музыки. Он автор знаменитой оперы «Дидона и Эней» и нескольких других опер, музыки к драматическим спектаклям, инструментальных пьес, хоровых англиканских гимнов, приветственных и траурных од, светских и духовных песен.

В эпоху барокко развились способы игры на музыкальных инструментах, повысилось мастерство исполнения на них. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, обилие и изощренность мелодических украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Барочная музыка обычно писалась не только для виртуозных певцов, но и для виртуозных музыкантов, и была значительно более сложна для исполнения, чем музыка Ренессанса. Поэтому не случайно, что именно в ту эпоху оформилась детальная нотная запись -  та система, которой мы, с некоторыми усовершенствованиями, пользуемся по сегодняшний день.  

В эпоху барокко, в сравнении с Возрождением, значительно усилилось драматическое содержание музыки, ее эмоциональный накал, повысилась ее экспрессивность. Профессиональная музыка становилась все более и более светской, запрос на экспрессивность тоже делался все более заметным. Что было хорошо в храме, когда музыка не должна отвлекать от молитвы (по крайней мере в идеале), не очень хорошо в светской композиции. 

Одним из главных завоеваний периода барокко стало установление тональности и, как следствие, гармонии как системы. Во времена Ренессанса использовались так называемые модальные лады, центральной категорией которых является звукоряд. Мелодические образования в нем развёртываются постепенно через обход ступеней звукоряда, и осмыслить услышанное возможно только ретроспективно, в пределах целой пьесы или хотя бы одного, «законченного» отдела формы.  В отличие от этого тональность- это лад, который имеет определенное высотное положение. Это не просто ряд звуков, а система. Система устоев и неустоев. Есть звуки устойчивые, есть неустойчивые. Между звуками возникает связь, тяготения. И главнейший закон любого лада – неустой стремится перейти (разрешиться) в устой.  

Во времена Возрождения господствовала полифония, то есть соединение нескольких равноправных голосов. Техника полифонии строилась в то время на том, что что в мягком и спокойном движении голосов второстепенно и как будто случайно появлялись консонансы, то есть приятные для уха опорные созвучия. В барочной же музыке порядок появления консонансов стал важным: он проявлялся с помощью аккордов, выстраиваемых по определенной системе. К тому же, барочная музыка использовала более протяжённые мелодические линии и более упорядоченный ритм. Появилась запись гармонии при помощи «бассо континуо». То есть, главные голоса выписывались полностью, а сопровождающие, гармонические -  в виде линии баса, над которым проставлялись общепринятые обозначения гармонии (точь в точь, как нынешние «цифровки», по которым обычно играют джазовые и эстрадные музыканты). Здесь была возможность импровизации: каждый музыкант расшифровывал аккорды в соответствии со своим вкусом и фантазией. Появление генерал-баса указывало на значительное изменение в музыкальном мышлении — а именно то, что гармония, являющаяся «сложением частей в одно целое», так же важна, как и мелодические части (полифония) сами по себе. Всё больше и больше полифония и гармония выглядели, как две стороны одной идеи сочинения содержательной и при этом благозвучной музыки.

«Строгий стиль» полифонии, со множеством запретов и ограничений, сменился «свободным», где эти ограничения перестали существовать. Повышение эмоциальности музыки было как раз одной из причин, по которой начался отход от строгого стиля контрапункта и смена его свободным стилем. По этой же причине музыка стала насыщаться хроматизмами. Если между соседними звуками (ступенями) лада расстояние в полтона, то тяготение ощущается очень сильно. Если же расстояние большее – в целый тон – то тяготение становится слабее. Слабые тяготения зачастую кажутся малоэмоциональными. Чтоб придать звучанию больше экспрессии, композиторы вносили тот самый хроматизм – изменяли неустойчивую ступень, повышая или понижая ее на полтона, и тем самым приближая к устою. От этого ладовые тяготения звучали гораздо острее. Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий  и канцон  Ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко и одновременно самой совершенной полифонической форме. 

Композиторы Ренессанса сосредоточивали внимание на проработке каждой части музыкального произведения, практически не заботясь о сопоставлении этих частей. По отдельности каждая часть могла звучать превосходно, но гармоничный результат сложения был скорее делом случая, чем закономерности. Именно в эпоху барокко получили повсеместное распространение циклические формы музыки.

Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Продолжение завтра.